La prospérité économique considérable du 17e siècle a favorisé l'émergence d'une classe citadine dominante (chônin), prospère et dépensière au sein des grandes villes (Kyôyo, Edo, Ôsaka) et l'accroissement de la production qui a suivi, ont fait dire à des historiens que les années Genroku (1688-1704) pouvaient être considérées comme "l'époque de la société heureuse" associée à une phase exceptionnellement créative dans le domaine des arts. La circulation active des biens, la multiplication des magasins et des marchés ainsi que l'amélioration du niveau de vie en sont les témoins. Les retombées de cette poussée économique furent considérables notamment dans le secteur artistique. Cette nouvelle classe marchande, forte de son pouvoir économique, créa des formes d'art riches et sensuelles, libéra le théâtre de ses conventions rigides du passé et insuffla jusque dans la mode une gaieté des formes et des couleurs qui reflétait l'humeur du moment. Une nouvelle culture urbaine et populaire commença à s'épanouir qui préparait le Japon à entrer dans l'ère moderne de la deuxième partie du 19e siècle.

ÉVOLUTION DU KOSODE
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Hishikawa Moronobu (1618-1694), "Admirer les fleurs de cerisier".
Les années Genroku (1688-1704) virent naître un style qui persista jusqu'au milieu du 18e siècle. Les épouses et les filles de la richissime classe marchande des villes dépensaient des sommes faramineuses pour acquérir les kimonos de leur choix qui s'apparentaient aux créations haute couture de notre époque. Broderies, tissages précieux et techniques tinctoriales nouvelles avaient alors atteint leur apogée et les représentations d'estampes par des artistes connus et à la mode relayaient cet engouement. Les graveurs d'estampes représentaient les courtisanes de haut rang revêtues de leur somptueux kimonos dans les rues des quartiers de plaisir, contribuant ainsi à la circulation des motifs figuratifs de l'époque.
Le style
genroku concentrait la plus grande partie des motifs des kosode sur le devant, les épaules et le bas du vêtement. Comme pour le style kanbun précédent, les principales techniques utilisées étaient la teinture kanoko-shibori et les broderies. Des objets usuels (chapeaux, clôtures, rideaux, instruments de musique, bateaux…) devinrent des motifs à la mode et leur disposition sur le kimono continuaient à suivre les codes du style kanbun. La grande différence se situait dans le jeu du vide et du plein. En effet, pour une classe citadine nouvellement enrichie peu séduite par une esthétique de la sobriété, il fallait montrer coûte que coûte que l'on avait les moyens ! Voilà pourquoi le style genroku se caractérisait par des motifs somptueux et très imposants avec peu d'espaces vides. En cela, il se rapprochait du style des kosode de l'élite de la classe guerrière au cours de la période précédente. Mais cette débauche de luxe nécessita l'intervention shôgunale et la promulgation de lois somptuaires qui réglementèrent l'utilisation des fils d'or, des broderies et des teintures diverses.
En 1696, la mode était au
obi large (18-20 cm) noué dans le dos, ce qui coupait la continuité des motifs. Sa sobriété atténuait l'ensemble et apportait une touche d'élégance. Les fabricants s'adaptèrent et prirent donc l’habitude de répartir les motifs et même de ne décorer que la partie inférieure du vêtement, laissant le centre ou le haut, vide. De nouvelles techniques de teintures firent leur apparition (yûzen some) dans un style très différent et connurent une grande vogue auprès des femmes de la bourgeoisie.
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Portrait de jeune fille de la classe bourgeoise aisée (1684-88). La coiffure et le kosode sont caractéristiques du début des années Genroku. Les motifs (fleurs de cerisiers et chrysanthèmes) sont disposés sur 3 niveaux: épaules, bas des manches qui sont arrondies et bas du kosode.
Le
obi noué à l'arrière s'est élargi et les deux extrémités retombent de chaque côté.
Hishikawa Moronobu, "
Migaeri bijin zu"
LE STYLE GENROKU (1688-1704)
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Pivoines et haies de bambou sur satin.

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Jeu de damiers et fleurs de mauve en arabesques concentrées sur les épaules et le bas.

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Plantes aquatiques et petits bateaux moyai-bune avec toit de chaume. Les motifs sont répartis sur l'épaule droite et le bas.

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Satin blanc et plante d'automne hagi (lespédèze) avec toit de chaume kuzuya.
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Le côté gauche au niveau de la taille montre un espace vide que les motifs contournent. Broderies et shibori sur satin.

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Des koto disposés en zigzag sur toute la hauteur cachent un pin tortueux sur la droite avec chrysanthèmes brodés.

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Des chrysanthèmes flottent à la surface d'une rivière. Le centre est quasiment vide (shibori et broderies).

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Katabira (kimono d'été avec barques, glycines et bambou brodés.

La culture populaire de la période de Genroku n'est pas seulement celle de guerriers devenus lettrés ou de riches marchands esthètes, elle est aussi comprise et portée par des couches urbaines plus modestes et par le peuple des provinces entre lesquels existaient un constant va-et-vient. Elle n'était en rien un sous-produit de la culture de l'élite aristocratique ou lettrée. Au 17e siècle, trois groupes dominent la production de cette nouvelle culture créative et récréative: les artistes (écrivains, peintres, acteurs…), les lettrés connaisseurs et les artisans très qualifiés. À côté d'un monde de labeur se développe le monde du loisir: maisons de thé, maisons closes, établissements de bain, théâtres. Les villes japonaises sont en construction et la population masculine (guerriers, artisans, ouvriers…) y est majoritaire. La prostitution prolifère dans les auberges, autour des théâtres, dans les bains publics. Elle sera bientôt interdite et remplacée par l'établissement d'un quartier clos bien délimité, Yoshiwara (à Edo). Sous l'ère de Genroku, Yoshiwara d'où émergèrent les arts et les modes au goûts de l'époque,
atteint son apogée avec une débauche de luxe tape à l'oeil et devient un des symboles de la nouvelle classe bourgeoise enrichie par le commerce.
C'est aussi tout un art de vivre japonais qui émerge: habitat, jardin, costume, coiffure, cuisine… En ce qui concerne les femmes, le changement le plus surprenant est que ce ne sont pas elles qui dictent les règles de leur propre image mais les peintres et les écrivains. Le déclin de l'autorité aristocratique et le progrès de la culture bourgeoise n'ont pas libéré les rapports entre hommes et femmes mais au contraire, ont assuré une mainmise masculine sur les critères de la féminité.
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江戸風俗図巻, Scène de genre et divertissement à Edo, Hishikawa Moronobu.

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Sous l'action de l'atelier Kaigetsudô, de nouveaux canons de beauté féminine allaient triompher. Andô Kaigetsudô fut le peintre attitré des courtisanes et des jolies femmes d'Edo. Celles-ci rayonnaient d'une beauté rarement égalée dans l'histoire de la peinture japonaise: belles et altières au corps élancé souligné par les lignes accentuées de leurs kimonos. La promotion du kimono féminin comme véritable oeuvre d'art a correspondu aussi à la technique de teinture sur tissu yûzen-some qui permit de créer des tissus à décors raffinés et colorés accessibles à la classe moyenne. Ainsi, l'évolution de la mode vestimentaire liée au progrès technique allait de pair avec un changement dans les canons de beauté.
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Les
Kaigetsudô connurent une phase ascendante et créative qui eut une influence considérable entre 1700 et 1725. Le style de l'école ne changea guère durant toute son existence jusqu'au milieu du siècle. Les plis des vêtements sont dessinés en lignes douces et les motifs somptueux sont rendus par des coloris riches et nuancés. Cette conception de la féminité où chaque élément de l'habillement est ordonné, a introduit tout un code esthétique et symbolique dans la tenue vestimentaire auquel les courtisanes du 18e siècle allaient se conformer. Ainsi signifiaient-elles leur rang et leur richesse par le nombre de kimonos qu'elles portaient superposés et dont, à part le dernier, elles ne révélaient que les bords.
La manière de traiter les belles femmes (bijin) et les scènes de genre de l'école trouva son origine dans les oeuvres d'artistes inconnus de l'époque Kanbun (1661-1673) qui réalisaient des portraits de courtisanes seules ou accompagnées de leurs très jeunes suivantes (kamuro).
Les oeuvres des Kaigetsudô étaient probablement fabriquées en quantité et vendues comme des marchandises pour faire la promotion des kimonos, de la même façon que nos magazines de mode nous informent des nouveautés de chaque saison.
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YUZEN-ZOME
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Le terme de yûzen-some vient du nom de son inventeur Miyazaki Yûzensai, un peintre sur éventails et kimonos, actif à Kyôto entre 1684 et 1703.
L'originalité de ce procédé venait de ce qu'il permettait d’obtenir des couleurs jamais obtenues avec les techniques précédentes. Ici, on « teignait en peignant »: la teinture était appliquée sur le tissu et le résultat évoquait une peinture. Dans un recueil de 1688 intitulé "Modèles pour yûzen"
Hinakata yûzen, il est dit de lui: "Il respecte le style ancien et s'accorde au raffinement et à l'élégance de notre époque". Les motifs de type yûzen (floraux notamment) se répartissaient sur toute la surface du kosode. La technique n'est donc pas nouvelle. En effet, la teinture sur réserve remonte à l'époque de Heian et permet d'obtenir un dessin précis.
Le dessin préparatoire est tracé avec un colorant végétal qui délimite chaque couleur et qui peut s'effacer puis on recouvre le dessin de colle d'amidon ou de gomme. Au rinçage, ne restent que les tracés séparant chaque couleur. On applique les couleurs au pinceau dans les contours puis on les fixe à la vapeur.
Les possibilités offertes par ces nouveaux procédés permirent l'utilisation d'une gamme élargie de couleurs et de dégradés. Puis, l'ensemble du décor est recouvert de colle et on procède à la teinture du fond. Le tout est ensuite rincé à grande eau pour éliminer colle et colorant. Le tissu est lissé à la vapeur et il est alors possible de rajouter quelques broderies qui passent en second plan. Le choix des thèmes s’élargit et les combinaisons devinrent plus complexes.
Cette mode séduisit rapidement les femmes de la bourgeoisie citadine et influença l’ornementation des
kosode en réduisant considérablement les prix de fabrication à une époque où les teinturiers rivalisaient pour mettre au point des techniques susceptibles d’élargir les perspectives picturales de leur profession. Grâce au yûzen, la broderie, seul procédé qui permettait d'exprimer librement les motifs, passe au second plan et le choix des motifs s'élargit, les combinaisons et les compositions devinrent plus complexes.
Toutefois, sans jamais disparaître, le
yûzen-some passa vite de mode à la faveur de nouveaux motifs dont la demande ne fit que s'accroître. L'attention fut alors portée sur le style des motifs kôrin (kôrin-moyô) dûs au peintre Ôgata Kôrin (1658-1716), actif à Kyôto. Son style simple et généreux à la fois, une fois reproduit sur les kimonos plut d'emblée et cet enthousiasme ne se limita pas seulement au kimono qu'il avait orné lui-même mais se poursuivit bien au-delà de sa mort, et même après l'ère suivante de Kyôho (1716-36) sans faiblir.
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Kosode peint par Ôgata Kôrin, pour la femme du riche négociant en bois Fuyuki de Fukagawa, qui est aussi désigné par son nom fuyuki-kosode. Des herbes d'automne (aki no nana kusa) sont peintes en noir et bleu sur un tissu de satin.
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Kosode peint par un disciple de Kôrin, Sakai Hôetsu (1761-1828). Fleurs de prunier avec fleurs de pissenlit et violettes sur le bas.
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Après avoir été interdit en 1652 à Edo, le kazuki, ce second kosode dont les femmes se recouvraient la tête, fit son grand retour vers 1703 et sa forme se modifia au niveau du col pour plus de confort.
CLASSE GUERRIÈRE VS CLASSE BOURGEOISE
Les kosode des femmes de la classe guerrière et bourgeoise évoluèrent différemment à partir de cette époque. Les femmes aisées de la classe marchande remplacèrent les satins de leurs vêtements par de la soie chirimen qui mettaient mieux en valeur les motifs obtenus par les nouveaux procédés de teintures (en dehors toutefois de leurs vêtements d'été en lin, katabira). Grâce aux progrès de la teinture yûzen, les motifs occupèrent la surface du kosode à la manière d'un tableau. De plus, les voyages, qui étaient très à la mode au milieu du 18e siècle, favorisèrent cet engouement pour les paysages et l'on vit apparaître sur les vêtements de véritables scènes de paysages célèbres.
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Le kosode est entièrement recouvert d'un paysage de Kyôto, teint et peint comme un tableau (yûzen-zome) avec des broderies. Sur l'épaule gauche, une scène de hanami avec plus bas une vue du temple Kiyomizudera. Au niveau des hanches, le quartier de Gion, la pagode du Hôganji et en bas le pont Gojô.
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Le thème de ce kosode traite d'un sujet peu commun pour un vêtement féminin avec des faucons destinés à la chasse et représentés avec de nombreux détails et une palette de couleurs harmonieuse.
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Takarabune (le bateau des Sept Trésors) sur fond rouge en soie chirimen. Les attributs des Sept divinités du bonheur sont dispersés sur toute la surface. Les motifs commencent différer et à migrer vers le haut et le bas du kimono.
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La mode des teintures yûzen se diffusaient un peu partout et les styles se diversifièrent avec notamment de nouvelles dispositions des motifs. Le suso-moyô kosode fut très en vogue avec ses motifs qui ornaient le bas à partir de la taille jusqu'à l'ourlet alors que le haut du vêtement était uni. Ce sont des courtisanes qui les premières furent à l'initiative de ce nouveau style, très vite adopté par de nombreuses femmes.
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Couleurs et motifs sont très inspirés des tissus importés d'Inde (sarasa) avec un cerisier en pleine floraison sur le côté droit et des lettres brodées sur le haut du kimono.
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Furisode en soie chirimen orné d'un noshi grandiose (symbole de félicité). Les motifs extrêmement variés et précis des rubans témoignent d'une maîtrise parfaite.
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Face aux femmes de la classe bourgeoise, éprises de nouveautés et qui furent les premières à préférer et à adopter les nouvelles techniques de teintures, les femmes de la classe des bushi (guerriers), de tendance plutôt conservatrice, réagirent tardivement aux nouvelles modes et continuèrent à préférer les techniques de teintures et les broderies conventionnelles. Conscientes de la supériorité de leur statut social, elles résistèrent certainement à une mode qui ravissait les femmes de classes inférieures. L'évolution de leur kosode poursuivit deux tendances jusqu'à la fin du 19e siècle.
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Jusque dans les années 1716, les motifs dorsaux des kosode furent apposés sur le côté droit, laissant un espace vide plus ou moins large au niveau de la taille et sur la gauche. Un des motifs traditionnels très apprécié (tachiki) montrait un arbre (ici, érable et camélia) disposé sur la droite du kosode et dont les branches, les feuilles ou les fleurs se répartissaient élégamment sur toute la surface. Le même thème ornait également les kosode des femmes de marchands mais sur de la soie chirimen (à droite) et teint selon le nouveau procédé yûzen.
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Un prunier en fleurs est placé sur la droite du kosode en satin, associé à des lettres (kanji) brodées devant et dans le dos qui forment un poème, si l'on a acquis les connaissances et la culture néssaires pour pouvoir le lire.
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Passerelles de bois, eau vive et fleurs de saison composent ce magnifique paysage imaginaire sur la moitié du kosode.
VERS PLUS DE SOBRIÉTÉ
Au cours de l'ère Kyôho (1716-1735), les lois somptuaires instaurées auparavant semblèrent peu efficaces face au pouvoir économique de la classe marchande. Le 8e shôgun Tokugawa Yoshimune tente de remédier aux difficultés économiques et sociales qui duraient depuis la fin du 17e siècle en adoptant plusieurs réformes visant à à rationaliser les dépenses.
En 1724, le
bakufu publia des lois somptuaires limitant les dépenses privées en matière ce cérémonies, de tissus et vêtements, d'ameublement etc… Ce genre d'ordre fut réitéré presque annuellement pendant les deux décennies suivantes.
Extrait: "
Depuis quelques années, la tenue des femmes est de plus en plus ostentatoire. Désormais, même les épouses de daimyô ne devront plus utiliser pour leurs vêtements qu'une petite quantité de broderies de fil d'or et ne plus porter de robes faites de tissus coûteux. Les servantes porteront la tenue simple qui convient à leur position et dans chaque ville le prix fixé pour ces articles sera publiquement annoncé…..Les chemises de nuit, couvre-lit, matelas etc… ne doivent pas être de fins tissus brodés".
Ces détails donnent idée des tendances de la mode et de l'échec du
bakufu a faire appliquer ses lois somptuaires.
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Les lois somptuaires furent également appliquées aux toilettes somptueuses des dames du Ôoku, le lieu où vivait l'épouse (Odaidokoro) du shôgun, c'est à dire les appartements privés du château d'Edo. Aucun homme hormis le shôgun ne pouvait y avoir accès. Les dames en fonction étaient souvent issues de familles nobles de Kyôto et se conformaient à une hiérarchie strictement établie dont le rang le plus élevé était celui de jôrô. Les concubines du shôgun, de rang moins élevé (chûro) pouvaient bénéficier de privilèges lorsqu'elles donnaient naissance à des enfants.
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À cette époque, la disposition des motifs se modifia d'une manière originale et ils commencèrent à migrer vers le haut et le bas du dos du kosode. Les motifs du haut montrèrent tout d'abord des similitudes avec ceux du bas puis peu à peu, ils se différencièrent complètement (à droite). Cette nouvelle tendance, très en vogue dans les années 1720, se retrouve également sur les kosode des femmes de la classe bourgeoise.
Suite aux lois somptuaires du début des années 1720, les motifs se réduisent autour de l'ourlet (
susomoyô) et les teintures de petits motifs répétitifs (komon) notamment dans des nuances bleues et marron connaissent un grand succès.
Jusqu'à la fin de cette période vers 1740, la disposition des motifs des
kosode des classes marchande et guerrière ne diffèrait guère, en revanche les tissus (satin ou soie chirimen) et les procédés utilisés (yûzen ou broderies et teinture surihitta (motifs kanoko teints) faisaient la différence.
Ce fut seulement au cours de la deuxième moitié du 18e siècle et jusqu'au 19e siècle que les
kosode des femmes de l'élite guerrière se distinguèrent et que la rupture entre les deux styles prit véritablement effet.
Les teintures et les nouveaux coloris abondent avec une préférence marquées pour les nombreuses nuances marron, ocre, grises, vert kaki… Vers 1727, les tissages rayés hachijô sont très en vogue et apparaissent souvent sur les estampes.
Le motif
kihachijô est lié à une triste affaire qui a probablement fait son succès. La jolie serveuse Shirakoya Okuma, 23 ans, après avoir assassiné son mari, fut exhibée à travers la ville puis exécutée le 25 février 1727.
Lors de ce trajet où une foule de curieux s'attendaient à voir un monstre, elle apparut sur un cheval, revêtue de sous-vêtements blancs et d'un
kosode jaune à rayures kihachijô (un tissage très onéreux à l'époque), un chapelet en cristal autour du cou en récitant des sutra bouddhiques dans une attitude très digne qui fit forte impression. Son histoire inspira de nombreuses pièces de théâtre.
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La raison du changement dans la disposition des motifs fut certainement dictée par la largeur des obi en vigueur en ce début de 18e siècle, qui se portaient plus large et plus long, permettant ainsi de nombreuses variations dans la manière de le nouer. Certains noeuds étaient si longs qu'ils pouvaient descendre jusqu'aux geta (1736). Ce sont encore des acteurs de kabuki (onnagata) qui lancèrent les modes, reprises ensuite avec engouement par les jeunes filles. Les coiffures aussi se transforment et les chignons étaient alors à la mode avec de nombreuses variantes. Commencent à apparaître toutes sortes d'ornements, d'accessoires et d'astuces pour les maintenir en place. Le chignon noué à l'arrière est né au cours de ces années.
À gauche, une jeune fille très à la mode avec un
kosode qui arbore des motifs différents en haut (instruments de musique variés) et en bas (ombrelles, étendards). Le obi rayé est long et large). Le style de la coiffure perdurera jusqu'à la fin Edo.
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Ces petits carnets hinagata qui étaient l'équivalent de nos catalogues ou iikotomagazines de mode actuels donnent une idée précise de la mode à l'époque d'Edo. Les premiers carnets d’échantillons apparurent avec des motifs de plus en plus variés qui figuraient en association (moineaux et bambous par exemple) ou en relation avec des thèmes imaginaires, tirés de contes ou de poésies japonaises ou chinoises. Sur chaque page, un motif était imprimé en noir et blanc.
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"La beauté se révèle enfin dans les couches populaires. Les femmes se rasent ou s'épilent les sourcils (à g.), juste après le mariage ou à la première maternité, comme preuve de fidélité. Mais, lorsque l'homme entretient une "seconde épouse" ou une concubine, ces dernières gardent leurs sourcils naturels pour montrer l'infériorité de leur rang par rapport à l'épouse en titre. Les femmes mariées se teignent les dents en noir, tandis que les hommes abandonnent cette pratique. Au 18e siècle, il est de bon ton de mettre du rouge sur les lèvres et non plus sur les joues. À la fin du siècle, on privilégie le visage allongé comme dans les oeuvres de Utamaro. C'est le premier pas vers des beautés différentes véhiculées par les courtisanes et les acteurs de kabuki. Grâce à l'estampe, ce sont eux qui donnent le ton et créent les modes."
Dominique Buisson, Esthétiques du quotidien au Japon
Au cours de la longue période d'Edo, les modes se sont succédé mais une tendance en particulier, lancée par des courtisanes, entraina un engouement sans précédent et marqua la fin du 18e siècle jusque dans les classes populaires, celle du sasa-iro beni. Il s'agissait d'appliquer plusieurs couches épaisses de rouge à lèvres d'excellente qualité (à base de fleurs de carthame et très cher) sur la lèvre inférieure (à d.), qui finissaient par donner une couleur vert irisé puis violet doré, "feuilles de bambou" (sasa-iro beni). Le rouge étant considéré comme un produit de luxe, inabordable pour les femmes ordinaires, elles firent preuve d'ingéniosité en noircissant leurs lèvres dans un premier temps puis en appliquant une fine couche de rouge pour obtenir un résultat comparable.
LES KOSODE DE L'ARISTOCRATIE
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Les motifs des kosode de l'aristocratie font presque toujours référence à cet âge d'or de la culture de cour pendant la période de Heian avec des éventails pliants en lamelles de cyprès, des chariots fleuris ou des rideaux de bambous décoratifs misu). Pendant la période d'Edo, ces ornements classiques ne sont pas délaissés mais font place aussi aux préférences de chacune avec des thèmes en vogue.
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Les nobles de haut rang et les daimyô continuaient à porter la robe ko-dôbuku avec un pantalon bouffant sashinuki au quotidien.
LE PEUPLE D'EDO
LES MARCHANDS
La société des Tokugawa était considérée comme l'empire des marchands mais en dépit de leur puissance économique, ils restaient exclus du pouvoir politique qui restait sous la coupe des guerriers. Toutefois, ils tenaient leur richesse non seulement du commerce mais aussi de leurs activités de prêteurs et c'est ainsi que beaucoup firent fortune et furent à l'origine des empires économico-financiers du Japon moderne. Ainsi, le système hiérarchisé des Tokugawa aboutissait-il à une sorte d'interdépendance entre daimyô, samurai et marchands qui avançaient les fonds (avec un taux d'intérêt de 10 à 15%) et effectuaient les transactions importantes. Le bakufu faisait également appel à eux pour ses financements tout en continuant à les contrôler et à tenter de restreindre leur pouvoir par des taxes, des lois somptuaires et des confiscations. Il existait notamment des prêts destinés aux divertissements dans les quartiers de plaisir destinés aux fils de riches marchands.
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Les lois somptuaires du régime (1683, 1689 et 1721) qui interdisaient le port de la soie ainsi que les motifs trop voyants furent à l'origine d'un art minimaliste caractéristiques de l'époque d'Edo offrant aux artisans la possibilité de montrer leur talent en donnant naissance à un art de l'esquive, afin de détourner l'austérité des réglementations. Ainsi, verra-t-on de riches marchands faire doubler de tissus raffinés, leurs kimono banals au premier regard. Leur tenue officielle était le kataginu (kamishimo) et la tenue habillée se composait d'un kosode, d'un haori avec kamon et d'un hakama. Au quotidien, un haori porté sur un kosode constituait la tenue ordinaire. Seuls les guerriers étaient autorisés à porter le habutae (lourd kimono en taffetas).
Ce marchand aisé porte un kosode et un haori en papier washi (kamiko) traité pour la confection de vêtement et doublé de soie. Le kamiko était bien connu des gens du peuple mais peu à peu cette matière, par sa beauté et sa capacité à bien garder la chaleur, séduisit les classes plus aisées. La touche iki (chic, dandy) laissait voir sur le papier des textes, des illustrations ou des mots laissés par des courtisanes.
Les gens du peuple portaient au quotidien des vêtements de lin et de coton (couramment utilisé à partir du 17e siècle) ornés de motifs shibori très primaires ou teints avec des moules probablement en bois sur des toiles qu'ils fabriquaient eux-mêmes.
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Look iki (élégant, branché, chic…) et un rien provocant d'un marchand aisé du milieu des années Edo qui a retiré une manche de son kosode et de son haori pour montrer son juban en papier kamiko et orné d'illustrations de ôtsu-e.
Vers la fin de Genroku (1703), le
haori qui se portait plutôt long jusque là n'est plus très en vogue et ce sont désormais les haori plus courts à manches longues qui plaisent. Les lois somptuaires avaient beau interdire les vêtements luxueux, elles furent vite détournées: en effet, le luxe devenait désormais invisible aux yeux de tous et se portait sur les sous-vêtements et les doublures de haori par exemple.
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Tenue de voyage pour citadin vêtu d'une cape comme celles que portaient les missionnaires étrangers venus au Japon au cours de la période de Momoyama. Avec le temps, la coupe a été modifiée pour être mieux adaptée au goût japonais. Le kosode porté en-dessous est relevé (et pris dans la ceinture) pour faciliter la marche. Une sorte de pantalon étroit momohiki, des jambières, des tabi et des sandales de paille tressée waraji complètent la tenue.
LES ARTISANS
Pendant les deux siècles et demi de fermeture du Japon, les artisans ont mené leurs techniques à la perfection, travaillant pour toutes les classes sociales. Ils contribuèrent à donner naissance aux ustensiles, aux tissus, aux objets, aux formes et aux couleurs qui enrichit la vie quotidienne et fut à la base de la culture populaire et urbaine. Dans la hiérarchie sociale, les artisans viennent en 3e position après les guerriers et les paysans. Leur vie est mieux connue grâce à une littérature illustrée qui décrit leurs moeurs, leurs outils et leurs techniques. Ils avaient une sorte de code de comportement (shokunin katagi) qui insistait sur la fierté du travail bien fait, l'expérience léguée par les anciens et une profonde solidarité avec leurs compagnons de travail.
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Cordelières

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Ôgi-ori: ces employées plient les papiers destinés à décorer les éventails

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Maître tisserand
Vers 1684, la soie, le pongé de soie (en plus du lin et du coton) sont autorisés aux propriétaires terriens.

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Forgeron

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Fabricant de cordons de papier motoyui qui sont utilisés pour faire tenir les coiffures, notamment les chignons.

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Un artisan polit un miroir en bronze pour des courtisanes

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Menuisier sur tour qui travaille en famille

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À Edo, les machibugyô (préfets) étaient assistés de subordonnés directs provenant de la classe des guerriers et sortes d'enquêteurs, les yoriki, chargés de surveiller et de faire régner l'ordre social. Ils ont sous leurs ordres les dôshin, samurai de rang inférieur qui les assistent dans leurs taches, notamment la garde de prisonniers, l'arrestation de criminels, incendiaires, voleurs… ou les exécutions (croquis de droite). Ceux-ci étaient immédiatement identifiables par leur apparence unique (kinagashi): sur un kosode quadrillé aux nuances brun-jaune (de style kihachijô), ils portaient un haori noir à kamon (montsuki) qu'ils raccourcissaient en repliant le bas vers l'intérieur et en l'insérant dans leur obi. Sabre et jitte étaient portés à l'horizontale.
Sur le croquis de droite, le dernier personnage du croquis (
okappiki) n'est pas un samurai mais une sorte d'homme de main, d'espion souvent ancien malfrat, recruté dans le bas peuple qui assiste le dôshin. Seul, le port du jitte lui est autorisé.
Les
yoriki, les lutteurs de sumo et les hikeshi (chargés d'éteindre les incendies) forment le trio de tête des 3 catégories d'hommes les plus iki et les plus populaires d'Edo.
À PROPOS DU HAORI
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Au cours de la période d'Edo, parmi les citadins et les paysans, seuls ceux qui bénéficiaient d'un statut privilégié comme les chefs de communautés étaient autorisés à porter un haori. Les femmes ont commencé à le porter au cours des années Genroku mais le gouvernement leur en interdit l'utilisation, le réservant aux seules geisha (tatsumi geisha) du quartier de plaisirs de Fukagawa à Edo.
Dans les années 1655, ce quartier prospéra en tant que port commercial spécialisé dans le bois de construction. Afin de favoriser les rencontres et les affaires des marchands entre eux mais aussi de les divertir, de nombreuses
geisha (hommes et femmes) des autres quartiers affluèrent spontanément. Quotidiennement au contact d'une clientèle franche et spontanée, élégante et cultivée, au look élégant sans vulgarité, elles finirent par en adopter les manières et l'apparence devenant ainsi l'incarnation d'un style et d'une esthétique iki .
À peine maquillées, pieds nus dans leurs socques même en hiver (une habitude toujours conservée d'ailleurs), arborant une tenue discrète et sobre avec un
haori qui leur donnait un air masculin, sans oublier leur franc parler sympathique, elles divertissaient leurs clients avec des danses, de la musique, des chants, des jeux…) sans jamais vendre leurs charmes, ce qui faisait leur fierté. Leurs noms d'artiste étaient à consonance masculine (Ukifune, Aoi, Otoyoshi, Tobiyoshi, ~yakko…), un subterfuge qui pour certaines étaient un moyen de se protéger en détournant l'attention des incursions du bakufu dans l'enceinte du quartier. Encore aujourd'hui à Tôkyô, de nombreuses geisha portent des noms masculins.
Il faudra attendre la fin du régime des Tokugawa pour que le port du
haori soit autorisé à tous.
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